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Randy Cooper "I love you" Jahr: Format: Technik: Lieferzustand: Preis: 2000 ca. 80cm Skulptur Unikat Auf Anfrage Anfrage stellen Randy Cooper wird in der Kunstszene oft als der „Shadow Man“ bezeichnet, und dieses faszinierende Unikat zeigt eindrucksvoll, warum. Auf den ersten Blick sehen Sie eine abstrakte, fast chaotische Form aus hartem Drahtgeflecht (Wire Mesh). Es wirkt industriell, kühl, unnahbar. Doch das wahre Kunstwerk entsteht erst im Zusammenspiel mit Licht. Wenn diese Skulptur korrekt beleuchtet wird, wirft der vermeintlich wirre Drahtkörper einen perfekten, weichen Schatten an die Wand – in diesem Fall formt sich die Botschaft oder Gestalt, die den Titel „I love you“ trägt. Cooper spielt meisterhaft mit der menschlichen Wahrnehmung und dem Kontrast der Materialien. Er schafft Schönheit aus dem Nichts, verwandelt kaltes Metall in pure Emotion. Die Skulptur selbst ist ca. 80 cm groß und fungiert als der physische Anker für das eigentliche, immaterielle Bild an der Wand. Dieses Werk aus dem Jahr 2000 ist ein absolutes Unikat. Coopers Arbeiten sind in bedeutenden Privatsammlungen weltweit vertreten, da sie eine einzigartige Position zwischen Skulptur und Lichtinstallation einnehmen. Es ist ein Werk, das inszeniert werden will. Es benötigt Licht und Raum, um seine Magie zu entfalten. Für den Betrachter ist der „Aha-Effekt“, wenn aus dem Drahtgeflecht plötzlich ein lesbares Bild entsteht, jedes Mal aufs Neue verblüffend. Ein poetisches, technisch raffiniertes Meisterwerk. Kunstwerk* Vorname* Nachname* E-Mail-Adresse* Telefonnummer* Anfragen* Jetzt Anfragen Next Previous

Bettina Rheims Kate before Kate Moss Jahr: Format: Technik: Lieferzustand: Preis: 1989 ca. 80x102cm Fotografie 1/1 AP Auf Anfrage Anfrage stellen Dies ist ohne Zweifel eines der historisch und künstlerisch bedeutendsten Werke in Ihrer Sammlung. Bettina Rheims, eine der wichtigsten Fotografinnen der Gegenwart, porträtierte im Jahr 1989 ein junges, damals noch weitgehend unbekanntes Mädchen namens Kate Moss. Wir sehen hier nicht das durchgestylte Supermodel der 90er Jahre, sondern den rohen, unverfälschten Anfang einer Weltkarriere. Der Titel „Kate before Kate Moss“ sagt alles: Es ist der Moment kurz vor dem Urknall. Rheims, bekannt für ihren ungeschönten, oft provokanten Blick auf Weiblichkeit, fängt hier eine Mischung aus kindlicher Unschuld und jener rebellischen Attitüde ein, die Moss später zur Ikone des „Heroin Chic“ machen sollte. Die Ästhetik ist typisch für Rheims: direkt, nahbar, fastungslos ehrlich. Was dieses Angebot jedoch in den Olymp des Kunstmarktes hebt, ist die Auflage. Es handelt sich um einen „1/1 Artist Proof“ (AP). Das bedeutet: Es gibt dieses Bild in dieser Form und als AP nur ein einziges Mal. Sie erwerben hier faktisch ein Unikat. Ein Artist Proof verbleibt normalerweise im Archiv des Künstlers und gilt als das Referenzexemplar. Das großzügige Format von ca. 80 x 102 cm gibt dem Porträt eine museale Präsenz. Für Sammler von Fotografiegeschichte oder Popkultur-Memorabilia ist dies eine „Blue Chip“-Gelegenheit: Ein Schlüsselwerk einer Starfotografin, das ein Weltmodel im Moment ihrer Entdeckung zeigt – und das als Einzelstück. Kunstwerk* Vorname* Nachname* E-Mail-Adresse* Telefonnummer* Anfragen* Jetzt Anfragen Next Previous

Chanel Be@arbrick (MEDICOM) Jahr: Format: Technik: Lieferzustand: Preis: 2006 ca. 70 cm Skulptur 1000 Stück Auf Anfrage Anfrage stellen In der Welt der Designer Toys gibt es viele Figuren, aber nur wenige Legenden. Der Chanel Be@rbrick in der monumentalen 1000%-Größe (ca. 70 cm) gehört zweifellos in den Olymp der „Urban Art“. Er markiert einen historischen Moment: den Punkt, an dem die ehrwürdige Pariser Haute Couture auf die japanische Street-Culture-Ästhetik von Medicom Toy traf. Für viele Sammler gilt dieses 2006 erschienene Stück als der „Heilige Gral“ unter den Bearbricks. Die Figur ist eine unverkennbare Hommage an den „Kaiser“ der Mode selbst: Karl Lagerfeld. Das Design überträgt Lagerfelds ikonischen Look – die schwarze Sonnenbrille, den steifen weißen Kragen, die taillierte Jacke – auf die abstrakte Bärenform. Es ist faszinierend zu sehen, wie mit minimalen grafischen Mitteln die Aura einer der komplexesten Persönlichkeiten der Modegeschichte eingefangen wurde. Das klassische Schwarz-Weiß-Schema ist dabei nicht nur eine Referenz an Lagerfelds persönlichen Stil, sondern auch an die zeitlose DNA des Hauses Chanel. Wir bieten hier ein Exemplar an, das eine Geschichte erzählt. Es handelt sich um ein authentisches Vintage-Stück aus dem Erscheinungsjahr 2006, gefertigt aus ABS-Kunststoff. Anders als viele Exemplare, die über Jahre in dunklen Tresoren verschwanden, wurde diese Figur gelebt und präsentiert. Der Zustand ist ehrlich und altersgemäß: Es sind typische, materialbedingte Verfärbungen an den Händen, Armen und am Hinterkopf vorhanden – eine Patina, die Kennern dieser frühen Medicom-Serien vertraut ist. Zudem weist die Oberfläche leichte Kratzer auf, die von der Historie des Objekts zeugen. Bitte beachten Sie: Die originale Verpackung ist nicht mehr vorhanden, was bei diesem Modell häufig der Fall ist, da es oft als reines Display-Objekt in exklusiven Kreisen genutzt wurde. Dies ist eine seltene Gelegenheit, eines der begehrtesten Fashion-Collectibles der Welt zu einem Preis zu erwerben, der den Zustand berücksichtigt. Ein absolutes Statement-Piece für jedes Loft, jeden Showroom oder jede Sammlung, die die Schnittstelle zwischen Luxusmode und Popkultur zelebriert. Kunstwerk* Vorname* Nachname* E-Mail-Adresse* Telefonnummer* Anfragen* Jetzt Anfragen Next Previous

Brendan Neiland Street of La Défense Jahr: Format: Technik: Lieferzustand: Preis: 1990 ca. 92x122cm Gemälde Unikat Auf Anfrage Anfrage stellen Brendan Neiland ist nicht einfach nur ein Maler der Stadt; er ist der Chronist des modernen Lichts. Mit „Street of La Défense“ bietet sich Ihnen ein signifikantes Hauptwerk des britischen Künstlers, das die Essenz urbaner Ästhetik einfängt. Neiland, dessen Werke unter anderem in der Tate Gallery und dem Victoria & Albert Museum in London vertreten sind, widmet sich hier dem berühmten Pariser Geschäftsviertel La Défense – einem Ort aus Glas, Stahl und Beton, den er in eine poetische Symphonie aus Reflexionen verwandelt. Das Format von 122 x 91,5 cm gibt dem Gemälde Raum zu atmen. Neiland nutzt Acryl auf Leinwand, doch seine Technik ist so verfeinert, dass der Pinselstrich fast unsichtbar wird und der Oberfläche eine glatte, industrielle Perfektion verleiht. Das Motiv löst die starren Grenzen der Architektur auf: Fassaden werden zu Spiegeln, Gebäude verflüssigen sich in geometrische Abstraktionen. Es ist dieser schmale Grat zwischen Fotorealismus und abstrakter Komposition, der Neiland zu einem der führenden Vertreter der britischen Gegenwartskunst gemacht hat. Das Werk wirkt kühl, klar und intellektuell scharf – ein perfekter Spiegel des Zeitgeistes der späten 80er und frühen 90er Jahre. Besonders interessant für Sammler ist die lückenlose und prestigeträchtige Provenienz dieses Unikats. Das Werk wurde direkt vom Künstler erworben und befand sich lange Zeit in der renommierten Sammlung der COLAS-Stiftung. Unternehmenssammlungen wie diese sind bekannt für ihr strenges Kuratieren und ihren Fokus auf werthaltige Positionen. Das Gemälde befindet sich in einem sehr guten, authentischen Zustand. Bei genauer Betrachtung sind minimale Spuren an den Kanten und ein kleiner, unauffälliger Fleck im linken mittleren Bereich erkennbar – Details, die die Geschichte des Werkes bezeugen, ohne die starke visuelle Wirkung zu beeinträchtigen. Verso ist das Werk mit Schablone signiert, ein typisches Merkmal für Neilands Arbeitsweise. Mit diesem Gemälde erwerben Sie nicht nur ein Stück Architekturgeschichte, sondern ein zeitloses Statement für moderne Interieurs, das Intellekt und Ästhetik meisterhaft verbindet. Kunstwerk* Vorname* Nachname* E-Mail-Adresse* Telefonnummer* Anfragen* Jetzt Anfragen Next Previous

Bert Stern Marilyn Monroe Jahr: Format: Technik: Lieferzustand: Preis: 1962 ca. 61x74cm Fotografie 6 Stück Auf Anfrage Anfrage stellen Es gibt Momente in der Kunstgeschichte, die man nicht reproduzieren kann, weil sie von einer unwiederbringlichen Intensität zeugen. Dieses Werk von Bert Stern gehört dazu. Es stammt aus dem legendären „Last Sitting“ – jener Fotosession im Hotel Bel-Air im Juni 1962, die im Auftrag der Vogue stattfand. Nur sechs Wochen später war Marilyn Monroe tot. Was als Modeshooting geplant war, entwickelte sich zu einer dreitägigen, intimen Begegnung zwischen Fotograf und Muse, bei der Marilyn alle Hüllen fallen ließ – physisch wie emotional. Der hier angebotene Abzug fängt genau diese unverstellte Nähe ein. Marilyn wirkt hier nicht wie der unnahbare Hollywood-Star, sondern pur, verletzlich, verspielt und von einer fast schmerzhaften Schönheit. Die Fotografie im Format ca. 61 x 74 cm gehört zu einer extrem seltenen Edition von weltweit nur 6 Exemplaren. Eine so niedrige Auflage ist im Bereich der Fotografie außergewöhnlich und macht dieses Blatt zu einer echten Trophäe für Sammler. Bert Stern gelang es in diesen Tagen, die Frau hinter dem Mythos sichtbar zu machen. Die leichte Unschärfe, das natürliche Licht und der direkte Blickkontakt erzeugen eine Atmosphäre, als wäre man selbst mit im Raum. Dieses Werk ist mehr als ein Porträt; es ist ein historisches Dokument, ein Memento mori und eine Liebeserklärung an die vielleicht größte Ikone des 20. Jahrhunderts. Der Zustand ist exzellent, was angesichts des Alters der Aufnahme die Wertigkeit nochmals unterstreicht. Kunstwerk* Vorname* Nachname* E-Mail-Adresse* Telefonnummer* Anfragen* Jetzt Anfragen Next Previous

Damien Hirst Wu Zetian (H10-1) Jahr: Format: Technik: Lieferzustand: Preis: 2022 ca. 100x100cm Edition 2853 Stück Auf Anfrage Anfrage stellen „Wu Zetian“ ist vielleicht die strengste und zugleich kraftvollste Komposition aus Damien Hirsts gefeierter „The Empresses“-Serie. Benannt nach der einzigen Frau, die jemals offiziell als Kaiserin von China herrschte, verkörpert dieses Werk Struktur, Strategie und absolute Dominanz. Während andere Werke der Serie oft verspielt wirken, sehen wir hier eine klare, fast hypnotische Geometrie: Ein zentrales Schmetterlingspaar wird von konzentrischen Kreisen und einer hexagonalen Struktur umgeben. Diese Anordnung ist kein Zufall; sie spielt subtil auf die Zahl Sechs an, die in der chinesischen Tradition für Harmonie und Vollständigkeit steht. Das Werk besticht durch seine radikale Farbpalette aus tiefem Schwarz und signalhaftem Rot. Hirst nutzt auch hier die technisch anspruchsvolle Methode des Giclée-Prints auf einer massiven Aluminium-Verbundplatte. Es ist wichtig zu verstehen, dass dies kein Papierdruck hinter Glas ist – die Oberfläche liegt offen, wodurch die Haptik des Materials und der Glitter-Siebdruck direkt erfahrbar sind. Der Glitter dient dabei nicht als Kitsch, sondern als Mittel zur Lichtbrechung: Er verleiht dem flachen Bildraum eine illusorische Tiefe, die die Schmetterlinge lebendig wirken lässt. Damien Hirst beweist mit diesem Werk erneut, warum er seit den 1990er Jahren die internationale Kunstwelt dominiert. Er nimmt das Motiv des Schmetterlings – eigentlich ein Symbol für kurze Lebensdauer – und macht es durch industrielle Materialien unsterblich. „Wu Zetian“ ist mehr als ein Bild; es ist ein Manifest weiblicher Stärke und künstlerischer Präzision. Das Werk stammt aus dem Jahr 2022, ist 100 x 100 cm groß und befindet sich in makellosem Zustand. Für Sammler, die nach einem Hirst suchen, der sowohl intellektuelle Tiefe als auch eine enorme visuelle Wandpräsenz bietet, ist diese Edition die erste Wahl. Kunstwerk* Vorname* Nachname* E-Mail-Adresse* Telefonnummer* Anfragen* Jetzt Anfragen Next Previous

Alex Katz Sasha 2 Jahr: Format: Technik: Lieferzustand: Preis: 2016 ca. 87x87cm Lithographie 100 Stück Auf Anfrage Anfrage stellen Alex Katz nimmt eine singuläre Position in der amerikanischen Kunstgeschichte ein. In einer Zeit, als der Abstrakte Expressionismus das Maß aller Dinge war, wagte er den radikalen Schritt zurück zur Figur – jedoch völlig neu interpretiert. Er etablierte eine Bildsprache der absoluten Gegenwart: flächig, monumental und von einer unverwechselbaren, eleganten Distanz. „Sasha 2“ aus dem Jahr 2016 ist die Quintessenz dieses reifen Stils. Das Werk zeigt Sasha, eine seiner zentralen Musen, in jener ikonischen Reduktion, die Katz weltberühmt gemacht hat. Er verzichtet bewusst auf psychologische Deutungsschwere oder erzählerische Details. Stattdessen konzentriert er sich auf die reine Ästhetik der Oberfläche: das Licht, den Schnitt der Frisur, die Linie des Profils. Es ist ein Porträt, das nicht das Innenleben der Dargestellten erforscht, sondern ihre physische Präsenz im Raum feiert. Diese „visuelle Ökonomie“ verleiht dem Bild eine zeitlose, fast architektonische Modernität. Technisch bewegen wir uns auf höchstem Niveau. Für Katz ist die Druckgrafik kein Nebenprodukt, sondern die logische Fortsetzung seiner Malerei mit anderen Mitteln. Diese Lithographie auf schwerem Velin-Papier besticht durch ihre makellose Farbsättigung und die präzise Setzung der Flächen – eine technische Meisterschaft, die keine Fehler verzeiht. Das beeindruckende Format von ca. 87 x 87 cm gibt dem Werk die nötige Autorität, um eine Wand nicht nur zu schmücken, sondern zu beherrschen. Alex Katz wird heute, nach großen Retrospektiven im Guggenheim Museum New York oder der Serpentine Gallery London, als einer der „Great American Painters“ des 20. und 21. Jahrhunderts kanonisiert. Seine Editionen sind bei Sammlern weltweit begehrt, da sie die Essenz seines Schaffens in konzentrierter Form bieten. Mit einer Auflage von nur 100 Exemplaren ist „Sasha 2“ eine seltene Gelegenheit, ein Werk von bleibendem kunsthistorischen Wert zu erwerben. Es ist klassische amerikanische Moderne in ihrer reinsten Form. Kunstwerk* Vorname* Nachname* E-Mail-Adresse* Telefonnummer* Anfragen* Jetzt Anfragen Next Previous

George "Hairbrush" Tingari Dreaming Jahr: Format: Technik: Lieferzustand: Preis: 2013 ca. 120x120cm Gemälde Unikat Auf Anfrage Anfrage stellen Wenn Sie dieses Werk betrachten, schauen Sie nicht einfach auf ein Gemälde – Sie blicken auf eine spirituelle Landkarte. George Tjungurrayi, in der Kunstwelt respektvoll „Hairbrush“ genannt, ist einer der bedeutendsten lebenden Vertreter der Papunya Tula Künstlerbewegung und der australischen Western Desert Art. Sein Werk „Tingari Dreaming“ aus dem Jahr 2013 ist ein monumentales Beispiel für seine Fähigkeit, uralte Mythen in eine radikal moderne, fast minimalistische Ästhetik zu übersetzen. Im Gegensatz zu vielen Aboriginal-Künstlern, die mit der klassischen Punkt-Malerei (Dot Painting) arbeiten, ist Tjungurrayi ein Meister der Linie. Auf diesem großformatigen Unikat (ca. 120 x 120 cm) erzeugt er durch eng gesetzte, parallele Linien eine optische Vibration, die das Bild förmlich zum Flimmern bringt. Diese Technik erinnert an die westliche Op-Art, hat aber einen völlig anderen Ursprung: Sie symbolisiert die Reise der Tingari-Ahnen, die in der Traumzeit das Land durchwanderten, Wasserlöcher schufen und die Gesetze der Aborigines etablierten. Die reduzierte Farbpalette und die hypnotische Struktur ziehen den Betrachter in einen fast meditativen Bann. Das Werk wirkt wie eine topografische Aufnahme einer Landschaft, die sowohl physisch als auch spirituell existiert. Tjungurrayis Werke hängen in den wichtigsten Museen Australiens und in bedeutenden internationalen Sammlungen. Ein Original-Gemälde dieser Größe und Qualität zu besitzen, bedeutet, einen direkten Zugang zu einer der ältesten kontinuierlichen Kulturtraditionen der Welt zu haben, interpretiert durch einen der großen Meister der zeitgenössischen indigenen Kunst. Kunstwerk* Vorname* Nachname* E-Mail-Adresse* Telefonnummer* Anfragen* Jetzt Anfragen Next Previous