Entdecken Sie im Showroom der 22nd Gallery eine kuratierte Selektion bedeutender Kunstwerke der einflussreichsten Künstler der modernen und zeitgenössischen Kunst. Kuratierte Kollektion Exzellenz ist unser Maßstab. Der Showroom vereint etablierte Meister und zukunftsweisende Positionen in einem Dialog über Substanz und Ästhetik. Wir bieten Zugang zu Werken, die nicht nur Räume füllen, sondern den kulturellen Diskurs mitbestimmen. Unser Portfolio richtet sich an Sammler, die das Besondere suchen: Ein Portfolio für Sammler mit Anspruch an kulturelle Tiefe und Werthaltigkeit – kuratiert mit Expertise und Leidenschaft. Künstler Technik Budget Jeff Koons Balloon Dog Magenta Auf Anfrage Damien Hirst Taytu Betul (H10-5) Auf Anfrage Gerhard Richter Betty Auf Anfrage Douglas Kirkland Marilyn Monroe Auf Anfrage Chanel Be@arbrick (MEDICOM) Auf Anfrage Günther Uecker Selbstportrait (Nagel) Auf Anfrage Karl Lagerfeld Be@arbrick (MEDICOM) Auf Anfrage Helmut Newton SUMO Taschen Auf Anfrage George "Hairbrush" Tingari Dreaming Auf Anfrage Bert Stern Marilyn Monroe Auf Anfrage Cécile Plaisance Strapse (Serie Lens) Auf Anfrage Randy Cooper "I love you" Auf Anfrage Damien Hirst Theodora (H10-3) Auf Anfrage Brendan Neiland Street of La Défense Auf Anfrage Damien Hirst Wu Zetian (H10-1) Auf Anfrage Bettina Rheims Kate before Kate Moss Auf Anfrage Alex Katz Sasha 2 Auf Anfrage

Randy Cooper "I love you" Jahr: Format: Technik: Auflage: Preis: 2000 ca. 80cm Skulptur Unikat Auf Anfrage Anfrage stellen Randy Cooper wird in der Kunstszene oft als der „Shadow Man“ bezeichnet, und dieses faszinierende Unikat zeigt eindrucksvoll, warum. Auf den ersten Blick sehen Sie eine abstrakte, fast chaotische Form aus hartem Drahtgeflecht (Wire Mesh). Es wirkt industriell, kühl, unnahbar. Doch das wahre Kunstwerk entsteht erst im Zusammenspiel mit Licht. Wenn diese Skulptur korrekt beleuchtet wird, wirft der vermeintlich wirre Drahtkörper einen perfekten, weichen Schatten an die Wand – in diesem Fall formt sich die Botschaft oder Gestalt, die den Titel „I love you“ trägt. Cooper spielt meisterhaft mit der menschlichen Wahrnehmung und dem Kontrast der Materialien. Er schafft Schönheit aus dem Nichts, verwandelt kaltes Metall in pure Emotion. Die Skulptur selbst ist ca. 80 cm groß und fungiert als der physische Anker für das eigentliche, immaterielle Bild an der Wand. Dieses Werk aus dem Jahr 2000 ist ein absolutes Unikat. Coopers Arbeiten sind in bedeutenden Privatsammlungen weltweit vertreten, da sie eine einzigartige Position zwischen Skulptur und Lichtinstallation einnehmen. Es ist ein Werk, das inszeniert werden will. Es benötigt Licht und Raum, um seine Magie zu entfalten. Für den Betrachter ist der „Aha-Effekt“, wenn aus dem Drahtgeflecht plötzlich ein lesbares Bild entsteht, jedes Mal aufs Neue verblüffend. Ein poetisches, technisch raffiniertes Meisterwerk. Kunstwerk* Vorname* Nachname* E-Mail-Adresse* Telefonnummer* Anfragen* Jetzt Anfragen Next Previous

Gerhard Richter Betty Jahr: Format: Technik: Auflage: Preis: 1991 ca. 60x80cm Edition 50 Stück Auf Anfrage Anfrage stellen Es gibt Bilder, die sich ins kollektive Gedächtnis eingebrannt haben – Gerhard Richters „Betty“ gehört zweifellos dazu. Das Gemälde von 1988, das seine Tochter zeigt, wie sie sich vom Betrachter abwendet, gilt heute als die „Mona Lisa“ der zeitgenössischen Kunst. Es ist ein Symbol für Intimität und gleichzeitige Distanz, für das Vergangene und das Unbekannte. Was wir hier anbieten, ist jedoch weit mehr als eine bloße Reproduktion dieses Meisterwerks. Es ist ein seltenes Zeitdokument aus einem entscheidenden Moment in Richters Karriere: seiner ersten großen Retrospektive in Großbritannien. Dieses Blatt entstand 1991 anlässlich der Ausstellung in der Tate Gallery in London, herausgegeben von der legendären Galerie Anthony d’Offay. Die Geschichte dieser Edition ist faszinierend und macht sie zu einer echten Trophäe für Kenner: Die Gesamtauflage betrug damals 500 Exemplare. Doch Vorsicht – etwa 200 davon wurden tatsächlich plakatiert, also verklebt und damit zerstört. Die verbleibenden 300 gelangten in den Verkauf des Museumsshops. Die wirkliche Besonderheit dieses spezifischen Exemplars liegt jedoch in dem kleinen, aber wertbestimmenden Detail unten rechts: der Handsignatur. Nur etwa 50 dieser Plakate wurden am Abend der Ausstellungseröffnung von Gerhard Richter persönlich signiert. Dies verwandelt den Offsetdruck von einem Ausstellungsplakat in ein autographes Sammlerstück von musealer Relevanz. Richter, der Meister der Unschärfe, spielt auch hier mit der Wahrnehmung: Der fotorealistische Druck auf glattem Velinpapier fängt die delikate Balance zwischen Fotografie und Malerei perfekt ein, für die Richter weltberühmt ist. Der Markt für dieses spezielle Blatt hat sich in den letzten Jahren extrem dynamisch entwickelt. Während unsignierte Plakate oft reine Dekorationsartikel bleiben, erzielen diese wenigen signierten Exemplare auf Auktionen bei Häusern wie Ketterer oder Neumeister regelmäßig Ergebnisse im hohen fünfstelligen Bereich. Das liegt an der Diskrepanz zwischen der globalen Bekanntheit des Motivs und der extremen Knappheit der signierten Stücke. Dieses Exemplar misst ca. 84 x 59,5 cm (Blattgröße), befindet sich in einem hervorragenden Zustand und stammt aus einer Münchner Privatsammlung, mit vorheriger Provenienz direkt aus dem Tate Gallery Shop. Sie erwerben hier nicht nur ein dekoratives Highlight, sondern ein Stück Kunstgeschichte mit belegbarer Seltenheit und erheblichem Wertsteigerungspotenzial. Kunstwerk* Vorname* Nachname* E-Mail-Adresse* Telefonnummer* Anfragen* Jetzt Anfragen Next Previous

Damien Hirst Taytu Betul (H10-5) Jahr: Format: Technik: Auflage: Preis: 2022 ca. 100x100cm Edition 2814 Stück Auf Anfrage Anfrage stellen Wenn man vor Damien Hirsts „Taytu Betul“ steht, spürt man sofort, dass es hier nicht um bloße Dekoration geht, sondern um Macht. Dieses Werk ist der krönende Abschluss der fünfteiligen „The Empresses“-Serie, in der Hirst fünf historisch bedeutenden Herrscherinnen ein Denkmal setzt. Benannt nach der äthiopischen Kaiserin Taytu Betul, einer ebenso strategischen wie furchtlosen Regentin, die im späten 19. Jahrhundert Kolonialmächte zurückschlug, strahlt das Werk genau diese unnachgiebige Stärke aus. Hirst nutzt hier sein ikonisches Schmetterlings-Motiv, ordnet es aber in einer radikalen, spiralförmigen Symmetrie an, die den Blick unweigerlich ins Zentrum zieht. Technisch bewegen wir uns hier auf absolutem High-End-Niveau: Es handelt sich nicht um einen einfachen Druck, sondern um einen laminierten Giclée-Print auf einer schweren Aluminium-Verbundplatte. Diese Trägerwahl ist entscheidend, denn sie gibt dem Werk eine objektartige Schwere, es wirkt eher wie eine Tafel als wie ein Bild. Veredelt wurde die Oberfläche mit einem aufwendigen Glitter-Siebdruck. Das Resultat ist verblüffend: Je nach Lichteinfall im Raum beginnt das Rot und Schwarz zu vibrieren, die Flügel scheinen fast dreidimensional über dem kühlen Aluminium zu schweben. Damien Hirst, der „Enfant terrible“ der Young British Artists, spielt hier meisterhaft mit seinen ewigen Themen: Schönheit, Tod und Unsterblichkeit. Indem er den flüchtigen Moment eines Schmetterlingslebens in ein starres, glitzerndes Monument verwandelt, konserviert er die Schönheit für die Ewigkeit. „Taytu Betul“ ist mit 100 x 100 cm ein dominantes Statement-Piece, das in jeder Sammlung sofort die Führung übernimmt – genau wie die Kaiserin, deren Namen es trägt. Das Werk ist rückseitig signiert und nummeriert, was die Authentizität dieses bedeutenden Exemplars aus dem Jahr 2022 garantiert. Kunstwerk* Vorname* Nachname* E-Mail-Adresse* Telefonnummer* Anfragen* Jetzt Anfragen Next Previous

Chanel Be@arbrick (MEDICOM) Jahr: Format: Technik: Auflage: Preis: 2006 ca. 70 cm Skulptur 1000 Stück Auf Anfrage Anfrage stellen In der Welt der Designer Toys gibt es viele Figuren, aber nur wenige Legenden. Der Chanel Be@rbrick in der monumentalen 1000%-Größe (ca. 70 cm) gehört zweifellos in den Olymp der „Urban Art“. Er markiert einen historischen Moment: den Punkt, an dem die ehrwürdige Pariser Haute Couture auf die japanische Street-Culture-Ästhetik von Medicom Toy traf. Für viele Sammler gilt dieses 2006 erschienene Stück als der „Heilige Gral“ unter den Bearbricks. Die Figur ist eine unverkennbare Hommage an den „Kaiser“ der Mode selbst: Karl Lagerfeld. Das Design überträgt Lagerfelds ikonischen Look – die schwarze Sonnenbrille, den steifen weißen Kragen, die taillierte Jacke – auf die abstrakte Bärenform. Es ist faszinierend zu sehen, wie mit minimalen grafischen Mitteln die Aura einer der komplexesten Persönlichkeiten der Modegeschichte eingefangen wurde. Das klassische Schwarz-Weiß-Schema ist dabei nicht nur eine Referenz an Lagerfelds persönlichen Stil, sondern auch an die zeitlose DNA des Hauses Chanel. Wir bieten hier ein Exemplar an, das eine Geschichte erzählt. Es handelt sich um ein authentisches Vintage-Stück aus dem Erscheinungsjahr 2006, gefertigt aus ABS-Kunststoff. Anders als viele Exemplare, die über Jahre in dunklen Tresoren verschwanden, wurde diese Figur gelebt und präsentiert. Der Zustand ist ehrlich und altersgemäß: Es sind typische, materialbedingte Verfärbungen an den Händen, Armen und am Hinterkopf vorhanden – eine Patina, die Kennern dieser frühen Medicom-Serien vertraut ist. Zudem weist die Oberfläche leichte Kratzer auf, die von der Historie des Objekts zeugen. Bitte beachten Sie: Die originale Verpackung ist nicht mehr vorhanden, was bei diesem Modell häufig der Fall ist, da es oft als reines Display-Objekt in exklusiven Kreisen genutzt wurde. Dies ist eine seltene Gelegenheit, eines der begehrtesten Fashion-Collectibles der Welt zu einem Preis zu erwerben, der den Zustand berücksichtigt. Ein absolutes Statement-Piece für jedes Loft, jeden Showroom oder jede Sammlung, die die Schnittstelle zwischen Luxusmode und Popkultur zelebriert. Kunstwerk* Vorname* Nachname* E-Mail-Adresse* Telefonnummer* Anfragen* Jetzt Anfragen Next Previous

Cécile Plaisance Strapse (Serie Lens) Jahr: Format: Technik: Auflage: Preis: 2013 ca. 50x70cm Edition 4 Stück Auf Anfrage Anfrage stellen Cécile Plaisance ist eine Künstlerin, die mit dem Auge des Betrachters spielt und ihn herausfordert. Mit ihrer gefeierten „Lens“-Serie hat sie die Technik des Lentikulardrucks (Wackelbild-Effekt) aus der Welt der Spielerei in die Hochkunst gehoben. Dieses Werk aus dem Jahr 2013 ist ein perfektes Beispiel für ihren subtilen, aber provokanten Ansatz: Das Bild ist nicht statisch, es ist ein Ereignis. Je nachdem, wo Sie im Raum stehen, verändert sich das Motiv. Was aus einem Winkel wie eine elegante, fast klassische Schwarz-Weiß-Fotografie einer Frau im Mantel wirkt, entblättert sich bei einer leichten Bewegung des Betrachters zu einer sinnlichen Szene, die den Blick auf das Darunterliegende freigibt. Plaisance thematisiert damit auf intelligente Weise Voyeurismus, Doppelmoral und die Vielschichtigkeit der weiblichen Identität. Sie gibt der abgebildeten Frau die Macht zurück: Sie entscheidet, was sie zeigt, abhängig von Ihrer Perspektive. Mit einer strengen Limitierung auf nur 4 Exemplare weltweit ist dieses Werk von höchster Exklusivität. Das Format von ca. 50 x 70 cm macht es ideal für eine Hängung, die zur Interaktion einlädt – etwa in einem Durchgangsbereich oder prominent platziert im Wohnraum. Es ist Pop-Art mit feministischem Twist, technisch brillant ausgeführt und von einer Ästhetik, die sofort die Aufmerksamkeit auf sich zieht. Ein modernes Sammlerstück, das niemals langweilig wird, weil es sich buchstäblich mit Ihnen bewegt. Kunstwerk* Vorname* Nachname* E-Mail-Adresse* Telefonnummer* Anfragen* Jetzt Anfragen Next Previous

Alex Katz Sasha 2 Jahr: Format: Technik: Auflage: Preis: 2016 ca. 87x87cm Lithographie 100 Stück Auf Anfrage Anfrage stellen Alex Katz nimmt eine singuläre Position in der amerikanischen Kunstgeschichte ein. In einer Zeit, als der Abstrakte Expressionismus das Maß aller Dinge war, wagte er den radikalen Schritt zurück zur Figur – jedoch völlig neu interpretiert. Er etablierte eine Bildsprache der absoluten Gegenwart: flächig, monumental und von einer unverwechselbaren, eleganten Distanz. „Sasha 2“ aus dem Jahr 2016 ist die Quintessenz dieses reifen Stils. Das Werk zeigt Sasha, eine seiner zentralen Musen, in jener ikonischen Reduktion, die Katz weltberühmt gemacht hat. Er verzichtet bewusst auf psychologische Deutungsschwere oder erzählerische Details. Stattdessen konzentriert er sich auf die reine Ästhetik der Oberfläche: das Licht, den Schnitt der Frisur, die Linie des Profils. Es ist ein Porträt, das nicht das Innenleben der Dargestellten erforscht, sondern ihre physische Präsenz im Raum feiert. Diese „visuelle Ökonomie“ verleiht dem Bild eine zeitlose, fast architektonische Modernität. Technisch bewegen wir uns auf höchstem Niveau. Für Katz ist die Druckgrafik kein Nebenprodukt, sondern die logische Fortsetzung seiner Malerei mit anderen Mitteln. Diese Lithographie auf schwerem Velin-Papier besticht durch ihre makellose Farbsättigung und die präzise Setzung der Flächen – eine technische Meisterschaft, die keine Fehler verzeiht. Das beeindruckende Format von ca. 87 x 87 cm gibt dem Werk die nötige Autorität, um eine Wand nicht nur zu schmücken, sondern zu beherrschen. Alex Katz wird heute, nach großen Retrospektiven im Guggenheim Museum New York oder der Serpentine Gallery London, als einer der „Great American Painters“ des 20. und 21. Jahrhunderts kanonisiert. Seine Editionen sind bei Sammlern weltweit begehrt, da sie die Essenz seines Schaffens in konzentrierter Form bieten. Mit einer Auflage von nur 100 Exemplaren ist „Sasha 2“ eine seltene Gelegenheit, ein Werk von bleibendem kunsthistorischen Wert zu erwerben. Es ist klassische amerikanische Moderne in ihrer reinsten Form. Kunstwerk* Vorname* Nachname* E-Mail-Adresse* Telefonnummer* Anfragen* Jetzt Anfragen Next Previous

Bettina Rheims Kate before Kate Moss Jahr: Format: Technik: Auflage: Preis: 1989 ca. 80x102cm Fotografie 1/1 AP Auf Anfrage Anfrage stellen Dies ist ohne Zweifel eines der historisch und künstlerisch bedeutendsten Werke in Ihrer Sammlung. Bettina Rheims, eine der wichtigsten Fotografinnen der Gegenwart, porträtierte im Jahr 1989 ein junges, damals noch weitgehend unbekanntes Mädchen namens Kate Moss. Wir sehen hier nicht das durchgestylte Supermodel der 90er Jahre, sondern den rohen, unverfälschten Anfang einer Weltkarriere. Der Titel „Kate before Kate Moss“ sagt alles: Es ist der Moment kurz vor dem Urknall. Rheims, bekannt für ihren ungeschönten, oft provokanten Blick auf Weiblichkeit, fängt hier eine Mischung aus kindlicher Unschuld und jener rebellischen Attitüde ein, die Moss später zur Ikone des „Heroin Chic“ machen sollte. Die Ästhetik ist typisch für Rheims: direkt, nahbar, fastungslos ehrlich. Was dieses Angebot jedoch in den Olymp des Kunstmarktes hebt, ist die Auflage. Es handelt sich um einen „1/1 Artist Proof“ (AP). Das bedeutet: Es gibt dieses Bild in dieser Form und als AP nur ein einziges Mal. Sie erwerben hier faktisch ein Unikat. Ein Artist Proof verbleibt normalerweise im Archiv des Künstlers und gilt als das Referenzexemplar. Das großzügige Format von ca. 80 x 102 cm gibt dem Porträt eine museale Präsenz. Für Sammler von Fotografiegeschichte oder Popkultur-Memorabilia ist dies eine „Blue Chip“-Gelegenheit: Ein Schlüsselwerk einer Starfotografin, das ein Weltmodel im Moment ihrer Entdeckung zeigt – und das als Einzelstück. Kunstwerk* Vorname* Nachname* E-Mail-Adresse* Telefonnummer* Anfragen* Jetzt Anfragen Next Previous

Brendan Neiland Street of La Défense Jahr: Format: Technik: Auflage: Preis: 1990 ca. 92x122cm Gemälde Unikat Auf Anfrage Anfrage stellen Brendan Neiland ist nicht einfach nur ein Maler der Stadt; er ist der Chronist des modernen Lichts. Mit „Street of La Défense“ bietet sich Ihnen ein signifikantes Hauptwerk des britischen Künstlers, das die Essenz urbaner Ästhetik einfängt. Neiland, dessen Werke unter anderem in der Tate Gallery und dem Victoria & Albert Museum in London vertreten sind, widmet sich hier dem berühmten Pariser Geschäftsviertel La Défense – einem Ort aus Glas, Stahl und Beton, den er in eine poetische Symphonie aus Reflexionen verwandelt. Das Format von 122 x 91,5 cm gibt dem Gemälde Raum zu atmen. Neiland nutzt Acryl auf Leinwand, doch seine Technik ist so verfeinert, dass der Pinselstrich fast unsichtbar wird und der Oberfläche eine glatte, industrielle Perfektion verleiht. Das Motiv löst die starren Grenzen der Architektur auf: Fassaden werden zu Spiegeln, Gebäude verflüssigen sich in geometrische Abstraktionen. Es ist dieser schmale Grat zwischen Fotorealismus und abstrakter Komposition, der Neiland zu einem der führenden Vertreter der britischen Gegenwartskunst gemacht hat. Das Werk wirkt kühl, klar und intellektuell scharf – ein perfekter Spiegel des Zeitgeistes der späten 80er und frühen 90er Jahre. Besonders interessant für Sammler ist die lückenlose und prestigeträchtige Provenienz dieses Unikats. Das Werk wurde direkt vom Künstler erworben und befand sich lange Zeit in der renommierten Sammlung der COLAS-Stiftung. Unternehmenssammlungen wie diese sind bekannt für ihr strenges Kuratieren und ihren Fokus auf werthaltige Positionen. Das Gemälde befindet sich in einem sehr guten, authentischen Zustand. Bei genauer Betrachtung sind minimale Spuren an den Kanten und ein kleiner, unauffälliger Fleck im linken mittleren Bereich erkennbar – Details, die die Geschichte des Werkes bezeugen, ohne die starke visuelle Wirkung zu beeinträchtigen. Verso ist das Werk mit Schablone signiert, ein typisches Merkmal für Neilands Arbeitsweise. Mit diesem Gemälde erwerben Sie nicht nur ein Stück Architekturgeschichte, sondern ein zeitloses Statement für moderne Interieurs, das Intellekt und Ästhetik meisterhaft verbindet. Kunstwerk* Vorname* Nachname* E-Mail-Adresse* Telefonnummer* Anfragen* Jetzt Anfragen Next Previous

George "Hairbrush" Tingari Dreaming Jahr: Format: Technik: Auflage: Preis: 2013 ca. 120x120cm Gemälde Unikat Auf Anfrage Anfrage stellen Wenn Sie dieses Werk betrachten, schauen Sie nicht einfach auf ein Gemälde – Sie blicken auf eine spirituelle Landkarte. George Tjungurrayi, in der Kunstwelt respektvoll „Hairbrush“ genannt, ist einer der bedeutendsten lebenden Vertreter der Papunya Tula Künstlerbewegung und der australischen Western Desert Art. Sein Werk „Tingari Dreaming“ aus dem Jahr 2013 ist ein monumentales Beispiel für seine Fähigkeit, uralte Mythen in eine radikal moderne, fast minimalistische Ästhetik zu übersetzen. Im Gegensatz zu vielen Aboriginal-Künstlern, die mit der klassischen Punkt-Malerei (Dot Painting) arbeiten, ist Tjungurrayi ein Meister der Linie. Auf diesem großformatigen Unikat (ca. 120 x 120 cm) erzeugt er durch eng gesetzte, parallele Linien eine optische Vibration, die das Bild förmlich zum Flimmern bringt. Diese Technik erinnert an die westliche Op-Art, hat aber einen völlig anderen Ursprung: Sie symbolisiert die Reise der Tingari-Ahnen, die in der Traumzeit das Land durchwanderten, Wasserlöcher schufen und die Gesetze der Aborigines etablierten. Die reduzierte Farbpalette und die hypnotische Struktur ziehen den Betrachter in einen fast meditativen Bann. Das Werk wirkt wie eine topografische Aufnahme einer Landschaft, die sowohl physisch als auch spirituell existiert. Tjungurrayis Werke hängen in den wichtigsten Museen Australiens und in bedeutenden internationalen Sammlungen. Ein Original-Gemälde dieser Größe und Qualität zu besitzen, bedeutet, einen direkten Zugang zu einer der ältesten kontinuierlichen Kulturtraditionen der Welt zu haben, interpretiert durch einen der großen Meister der zeitgenössischen indigenen Kunst. Kunstwerk* Vorname* Nachname* E-Mail-Adresse* Telefonnummer* Anfragen* Jetzt Anfragen Next Previous

Helmut Newton SUMO Taschen Jahr: Format: Technik: Auflage: Preis: 1999 ca. 50x70cm Buch 200 Stück (AP) Auf Anfrage Anfrage stellen Es gibt Kunstbücher, und es gibt den SUMO. Als Helmut Newton und der Verleger Benedikt Taschen Ende der 90er Jahre beschlossen, das größte und teuerste Buch des 20. Jahrhunderts zu produzieren, schufen sie kein einfaches Druckwerk, sondern ein Denkmal. Was wir Ihnen hier anbieten können, ist jedoch weitaus mehr als nur ein Exemplar dieser legendären Publikation. Es ist eine Sensation. Wir präsentieren Ihnen den Artist’s Proof Nummer 2 von 200. Um die Tragweite dieses Angebots zu verstehen, muss man die Hierarchie kennen: Die reguläre, signierte Auflage umfasste 10.000 Stück und ist längst restlos ausverkauft. Doch die ersten 200 Exemplare, die „Artist’s Proofs“ (AP), waren nie für den regulären Handel bestimmt. Sie blieben im engsten Kreis des Künstlers, des Verlags und der Familie. Das allererste Exemplar dieses Buches – Nummer 1 – schrieb im Jahr 2000 Geschichte, als es für den Weltrekordpreis von über 430.000 US-Dollar versteigert wurde. Das Exemplar, das Sie hier erwerben können, trägt die Nummer 2. Es ist der direkte Nachfolger des teuersten Fotobuchs aller Zeiten. Damit bewegen wir uns hier nicht mehr im Bereich des Buchsammelns, sondern im Sektor musealer Investitionsobjekte. Physisch ist der SUMO eine Naturgewalt. Mit Maßen von 50 x 70 cm und einem Gewicht von über 34 Kilogramm sprengt er jede Norm. Er wird nicht ins Regal gestellt, er thront im Raum. Dafür sorgt der eigens von Star-Designer Philippe Starck entworfene Buchständer, der Teil dieses Angebots ist. Das Werk selbst ist eine kompromisslose Retrospektive von Newtons Schaffen: 464 Seiten, fast 400 ikonische Fotografien, kuratiert von seiner Frau June Newton. Die Druckqualität setzt bis heute Maßstäbe in Tiefe und Brillanz. Dieses spezifische Exemplar befindet sich in einem hervorragenden Zustand. Es wurde kaum geblättert, der Umschlag ist exzellent erhalten. Die minimale, altersbedingte Patina unterstreicht lediglich die Authentizität dieses Zeitdokuments aus dem Jahr 1999. Wenn Sie dieses Buch besitzen, besitzen Sie nicht nur Newtons Fotografien; Sie besitzen ein Stück der Geschichte des Taschen-Verlags und ein Artefakt, das die Kunstwelt unwiderruflich verändert hat. Für ernsthafte Sammler, Institutionen oder Investoren ist dies eine Gelegenheit, die sich vermutlich nie wiederholen wird: Das zweit-älteste Exemplar eines der berühmtesten Bücher der Welt. Kunstwerk* Vorname* Nachname* E-Mail-Adresse* Telefonnummer* Anfragen* Jetzt Anfragen Next Previous

Günther Uecker Selbstportrait (Nagel) Jahr: Format: Technik: Auflage: Preis: 1989 ca. 178cm Skulptur 100 Stück Auf Anfrage Anfrage stellen Das ist ein sehr starkes Stück – vielleicht das philosophischste in deiner Liste. Ein Nagel in Menschengröße ist ein gewaltiges Statement. Hier ist der Text, geschrieben aus der Perspektive, dass wir das Gesamtwerk Ueckers nach seinem Tod (im Kontext deiner Zeitlinie 2025) nun als abgeschlossen und historisch betrachten. Der Ton ist ehrfürchtig und betont die körperliche Präsenz der Skulptur. Günther Uecker – Der Nagel (1989) | Stahlskulptur Wenn man an Günther Uecker denkt, denkt man an den Nagel. Aber meistens sehen wir ihn in der Masse – zu Tausenden in Holz getrieben, als schwärmende Struktur, die Licht und Schatten fängt. Hier jedoch isoliert Uecker sein leitmotivisches Element und monumentalisiert es. Diese Skulptur aus dem Jahr 1989 ist nicht einfach nur ein Objekt; sie ist ein radikales, ironisches Selbstbildnis in Stahl. Mit einer Höhe von 178 cm entspricht die Skulptur exakt der Körpergröße von Günther Uecker. Er identifiziert sich hier vollständig mit seinem Werkzeug, verschmilzt mit ihm. Der Nagel wird vom dienenden Objekt zum Subjekt, zum Stellvertreter des Künstlers im Raum. Gefertigt aus massivem Stahl, besitzt dieses Werk eine archaische Schwere und eine unerschütterliche Präsenz, die sich kaum in Fotos festhalten lässt. Es ist ein Monolith, der Ruhe ausstrahlt, aber durch die Assoziation des „Einschlagens“ auch immer eine latente Energie und Gewalt in sich trägt – jene Dualität aus Verletzung und Heilung, die Ueckers gesamtes Schaffen durchzieht. Nach dem Tod von Günther Uecker im Juni 2025 betrachten wir Arbeiten wie diese mit neuen Augen. Als Mitbegründer der ZERO-Gruppe hat er die Kunstgeschichte der Nachkriegszeit umgeschrieben. Dieser „Nagel“ ist ein essenzielles Dokument seines Schaffens, eine Reduktion auf das Wesentliche. Die Signatur ist hier nicht einfach aufgesetzt, sondern ins Material gepunzt – ein physischer Akt, der die Authentizität dieses Originals besiegelt. Wir haben es hier mit einer musealen Rarität zu tun. Während Ueckers Nagelbilder auf Leinwand oder Holz in vielen großen Sammlungen zu finden sind, ist eine solche freistehende Stahlskulptur in menschlicher Skalierung eine absolute Ausnahme. Sie benötigt keinen Rahmen, sie behauptet ihren Platz im Raum von selbst. Aufgrund des hohen Gewichts und der Dimensionen empfehlen wir eine persönliche Abholung in Krefeld oder den Transport über eine spezialisierte Kunstspedition, bei deren Organisation wir gerne behilflich sind. Für Sammler, die das Werk dieses Jahrhundertkünstlers in seiner reinsten Form bewahren wollen, ist dies eine einmalige Gelegenheit. Kunstwerk* Vorname* Nachname* E-Mail-Adresse* Telefonnummer* Anfragen* Jetzt Anfragen Next Previous